10 mejores ejemplos de la narración visual de David Fincher

A través de 10 películas, varias series de televisión y docenas de videos musicales, David Fincher ha pasado su carrera profesional como director de cine perfeccionando su oficio y perfeccionando su sentido único de contar historias. Su uso de la caracterización dramática, las imágenes crudas y el suspenso palpitante lo han puesto a la vanguardia de los directores de la Generación X que resumen lo que significa "hágalo usted mismo".

Quién es David Fincher

A partir de su muy difamado debut como director, Alien 3 (1992), Fincher se estableció como un autor intransigente para proyectos de gran presupuesto y se mantuvo firme en el control creativo, incluso contra los mejores esfuerzos de la máquina de Hollywood.

Hemos elegido 10 escenas del impresionante trabajo de Fincher como un punto de referencia para el enfoque singular del director de la narración visual. Ciertas escenas ejemplifican cómo el uso de distintos ángulos y movimientos de cámara puede enfatizar un tono o emoción particular en la película, mientras que otras establecen una síntesis de varios elementos que se han presentado a lo largo de la película y simbolizan efectivamente un tema general.

1. Película: Se7en (1995) | Escena: The Library

Escena:

Con su primera película desde la debacle de Alien 3, Fincher puso su mirada en el vientre sórdido de una ciudad sin nombre y en las almas lúgubres lo suficientemente desafortunadas como para vivir allí, y en el proceso creó un auténtico clásico del género que cimentaría su nombre en la mente de cada espectador para siempre. Se7en sigue al veterano detective Somerset y al novato detective Mills en la búsqueda de un asesino en serie llamado John Doe, que está exigiendo su propia forma de justicia basada en los siete pecados capitales: glotonería, codicia, pereza, envidia, ira, orgullo y lujuria.

Al principio de la película, se ve a Somerset visitando una biblioteca en la que claramente se siente como en casa y procede a buscar en los estantes de libros en busca de cualquier cosa relacionada con el caso de los siete pecados capitales. Mientras mira a su alrededor, un grupo de guardias de seguridad ocupados jugando a las cartas ponen una interpretación de “Air on the G String” de Johann Sebastian Bach en su radio y crean una banda sonora diegética bastante apropiada para el detective.

La música acompaña a Somerset durante toda la escena y parece retomar y volverse aún más audaz mientras el detective lee copias de El purgatorio de Dante, Los cuentos de Canterbury y El paraíso perdido. Intercut a lo largo de esta escena son fragmentos rápidos del detective Mills mientras lee los archivos del caso del último asesinato de John Doe.

Importancia:

Esta es una escena particularmente vital en la película no solo por lo bien que examina los enfoques profesionales de ambos detectives para resolver un caso de homicidio, sino también por las formas en que estos crímenes atroces comienzan a manifestarse en las vidas de dos hombres con experiencias personales muy diferentes. En este punto, ya se ha establecido que Somerset está trabajando su última semana antes de jubilarse y que Mills es un policía joven que es nuevo en la ciudad y será el reemplazo de Somerset.

Aquí, Somerset representa el método de investigación de la “vieja escuela”, mientras que Mills representa el nuevo y lamentablemente ingenuo enfoque del trabajo policial. Cada detective lleva el peso de lo que ha visto y hecho de manera diferente, lo que resulta en una asociación simbólicamente fracturada con cualquiera de las partes inseguras de lo que la otra es capaz de comprender o apreciar.

Fincher es capaz de capturar estas dos actitudes diferentes implementando varios cortes transversales entre los dos personajes principales, una técnica que se usa especialmente bien en algunos de los trabajos posteriores del director. Esto también es cierto para la música, lo cual es importante tener en cuenta porque presenta una cierta disonancia entre la tranquilidad de la biblioteca con la melodía de Bach y su yuxtaposición con las imágenes espeluznantes que Mills debe revisar en busca de pistas. Esta disonancia finalmente se convierte en uno de los temas más conmovedores de la película una vez que llega a su devastadora conclusión.

2. Película: Se7en (1995) | Escena: The Chase

Escena:

En lo que seguramente será recordado como una de las mayores persecuciones en la historia del cine, los detectives Somerset y Mills rastrean una pista mal habida que los lleva al apartamento de un posible sospechoso conocido solo como John Doe.

Al llegar al apartamento, una figura envuelta en sombras y una gabardina inmediatamente abre fuego contra los detectives. Habiendo fallado sus objetivos previstos, la figura se da la vuelta y baja corriendo las escaleras del edificio de apartamentos. Mills sigue de cerca mientras Somerset intenta circunnavegar el laberinto de apartamentos y aislar al sospechoso.

Después de perseguir a esta figura a través de numerosos pasillos, escaleras y apartamentos, (todo mientras le disparan), Mills lo sigue hasta una azotea y por una escalera de incendios hacia las calles resbaladizas por la lluvia.

A través de un callejón estrecho, Mills cree que tiene al sospechoso acorralado y lentamente se abre paso junto a un camión estacionado. Desde arriba, Mills es golpeado en la cabeza con una llave de metal y deja caer su arma. La figura aparece a su lado y le apunta con una pistola a la cara, esperando y mirando. Por un momento parece que Mills está condenado, pero se oye a Somerset a la vuelta de la esquina y logra encontrar a su compañero en el suelo, herido pero muy vivo. La figura se ha desvanecido.

Importancia:

Esta escena representa un punto de inflexión dramático para los dos personajes principales, Somerset y Mills, y muestra que estos detectives no solo están dispuestos a hacer cualquier medio necesario en la persecución de su sospechoso, sino también que su sospechoso no es simplemente otro " perpetrador ”a quien la policía puede permitirse subestimar.

El astuto plan de Somerset para usar los registros de la biblioteca como una forma de rastrear a los posibles sospechosos sirve como otra delimitación entre él y la firmeza de Mills, que como se muestra aquí, claramente lo pone en un peligro mucho mayor que acercarlo a la verdad. John Doe ahora es consciente de que la policía lo está siguiendo, pero ahora también sabe exactamente quién en la policía está detrás de él y a quién puede usar para continuar con su ola de asesinatos.

La dirección de Fincher es innegablemente magnífica a lo largo de esta escena, ya que es capaz de evocar sentimientos de pavor y claustrofobia al entretejer de manera efectiva toda la acción y hacer que cada segundo cuente.

Para cuando Mills y John Doe están afuera en el techo, Fincher ya ha logrado una pequeña victoria al obligar a la audiencia a desconfiar de las convenciones típicas de las películas de detectives y a contemplar la posibilidad del fracaso de Mills, ya sea dejando escapar a John Doe o por un desafortunado error que podría hacer que lo maten. Al final, es un poco de ambos, pero la decisión final de John Doe de dejar con vida a Mills tiene menos que ver con facilitar su escape y más con salvar al detective para un destino aún peor por venir.

3. Película: The Game (1997) | Secuencia de apertura

Escena:

The Game es una de las películas más subestimadas de David Fincher y una verdadera joya del género del thriller psicológico, que actúa como un estudio sobre los temas de la angustia, la alienación, la apatía y la aceptación inevitable.

Nicholas Van Orten es un rico hombre de negocios que vive una vida de soledad autoimpuesta cuando su hermano separado le invita a un misterioso juego de rol para su cumpleaños.

En la secuencia de apertura de la película, un montaje de película casera de 16 mm representa el último día en la vida del padre de Nicholas en su 48 cumpleaños. Nicholas es un niño justo y se le muestra corriendo por la gigantesca finca de su familia, jugando con amigos y, por último, tomando una foto sombría con su padre.

Otras imágenes editadas en este montaje incluyen a varios familiares y amigos, un grupo inquieto (y premonitorio) de payasos de circo y, lo más importante, numerosas tomas del padre de Nicholas mientras se mueve mecánicamente por la fiesta y muestra sonrisas sin alegría a la cámara. Su obvia depresión es palpable y se refleja inquietantemente en el rostro de su hijo cuando los dos se muestran juntos.

Aunque aún no lo sabemos, estos serán los últimos momentos de su padre antes de saltar a la muerte desde el techo de su mansión, un acto que permanecerá con Nicholas hasta su propio 48 cumpleaños y el comienzo de la película.

Importancia:

Al describir el día exacto en el que la vida de Nicholas cambió como aparentemente feliz, empañada por un evento trágico, aunque posiblemente previsible, Fincher ha creado una vez más un nivel de disonancia que se enhebra a lo largo de toda la película. La elección de usar un aspecto desgastado de 16 mm para la secuencia de apertura le da a la audiencia un sentimiento inmediato de nostalgia familiar y hace que las imágenes de Nicholas con su padre sean aún más resonantes.

De manera similar, la decisión de Fincher de retener la imagen del padre de Nicholas saltando hacia su muerte hasta que aparezca como un breve recuerdo más adelante en la película ejemplifica un tema principal de aislamiento.

Otro aspecto de esta secuencia de apertura que es especialmente digno de mención es la inclusión de ciertas imágenes que eventualmente actuarán como conductos para los dolorosos recuerdos de Nicholas una vez que comience el “juego” titular.

Estas imágenes incluyen un espectáculo de títeres para niños, los payasos de circo y la imagen de alguien empujado a un charco de agua. Fincher utiliza cada elemento aquí en un esfuerzo por crear una impresión duradera en la audiencia y forzarnos a experimentar el mismo tormento emocional que continuará atormentando a Nicholas hasta que finalmente sea capaz de alcanzar algún tipo de aceptación.

4. Película: Fight Club (1999) | Lou's Tavern y Tyler's "Rules"

Fight Club puede muy bien ser el trabajo más conocido de David Fincher, y la película que catapultó su carrera a las alturas sigue construyendo a partir de ahora, pero gran parte de la película utiliza una narrativa y un encuadre sorprendentemente simples que ayudan a hacer que toda la experiencia sea relativamente tranquilo y ciertamente entretenido.

La historia de un insomne ​​que busca algo o alguien que le quite su indescriptible dolor de monotonía, Fight Club se basa en una dicotomía de autorrealización y autodestrucción. Esta contradicción toma la forma de Tyler Durden y su idea aparentemente sencilla de comenzar un club de lucha real para "finalmente sentir algo real".

Sin embargo, una vez que el club de lucha se vuelve demasiado grande para sus orígenes en el estacionamiento nocturno, se encuentra un nuevo lugar en Lou's Tavern. Usando un disparo de seguimiento característicamente impresionante, la cámara sigue a Tyler y al Narrador insomne ​​a través de Lou's y hasta el sótano de abajo, que ahora servirá como los nuevos campos de batalla del club de lucha. Aquí es donde Tyler comienza a exponer su nueva visión para el club de lucha y presenta a todos sus miembros una lista de "reglas" que nunca deben romperse (ni siquiera por él). Si la primera regla del club de la pelea es, "No se habla del club de la pelea", entonces la segunda regla del club de la pelea es aún más clara en su intención.

Importancia:

La toma de seguimiento en esta escena es especialmente notable, debido en parte al hecho de que nosotros, como público, ahora podemos sentirnos incrustados en el club de lucha mientras atravesamos las puertas de Lou's Tavern con Tyler y el Narrador, deslizándonos por el bar y luego a la bodega. Fincher es capaz de capturar la narrativa apresurada de la novela de Chuck Palahniuk colocándonos dentro de la historia y dándonos la oportunidad de explorar este mundo secreto de autodestrucción.

A medida que el narrador experimenta este mundo por primera vez, también experimentamos el mismo miedo y adulación que otros han impuesto decididamente a Tyler como figura decorativa del grupo, y a la naturaleza del club de lucha como una forma de vida exteriormente satisfactoria.

5. Película: Fight Club (1999) | Escena: Finale

Escena:

En el innegable y brillante final de Fight Club, el Narrador finalmente se ha liberado del control de Tyler y se las arregla para sacar a Tyler del fondo de su mente, literalmente, pero el daño ya está hecho. El plan maestro de Tyler se llevará a cabo sin problemas y todo lo que el Narrador puede hacer ahora es mirar.

Parados uno al lado del otro y tomados de la mano mientras miran por la ventana, el Narrador y Marla miran en trance mientras la sede de todas las principales compañías de tarjetas de crédito comienza a implosionar en su interior. El deseo de Tyler se ha hecho realidad. El narrador simplemente se vuelve hacia Marla y admite debidamente que ella "lo conoció en un momento muy extraño de su vida".

Importancia:

Fincher muestra que, aunque Tyler ha sido físicamente alejado de la psique fracturada del Narrador, su plan para sabotear un pilar idolatrado de la América corporativa es, no obstante, exitoso; que los esfuerzos del narrador para detener a Tyler son en última instancia inútiles, pero que este esfuerzo desesperado también lo trae de vuelta a Marla.

Esta imaginería simbólica es otro ejemplo más de la dicotomía entre autorrealización y autodestrucción que está presente a lo largo de la película y que el final capitaliza en gran medida. La naturaleza destructiva de Tyler Durden es derrotada y el Narrador se vuelve libre para encontrar aquello que le dará satisfacción a su vida: Marla. En este sentido, Fight Club es la primera (y posiblemente única) incursión de Fincher en capturar las complejidades y la pura locura del amor verdadero.

6. Película: Panic Room (2002) | Escena: The Tracking Shot

Escena:

Panic Room sigue una noche infernal de supervivencia para una madre y una hija que deben luchar contra los ladrones en busca de una fortuna escondida en su nuevo hogar. Cerca del comienzo de la película, después de acostar a su hija y acostarse para pasar la noche, Meg Altman da vueltas y vueltas antes de quedarse dormida, sin darse cuenta de que un grupo de criminales se arrastran afuera, buscando una manera de entrar a la casa.

Implementando una toma de seguimiento editada digitalmente, la cámara se desliza desde la habitación de Meg arriba, hacia abajo a través de la casa de cuatro pisos y aterriza en el nivel inferior donde se ve a un hombre saliendo de un automóvil oscuro y deslizándose hacia la puerta principal. Después de un intento fallido de abrir la puerta, pasa junto a su cómplice y se dirige hacia atrás.

Continuando con el seguimiento a través del nivel inferior de la casa y más allá de la cocina, la cámara se detiene en la puerta trasera y muestra al hombre una vez más sin poder entrar. Hace uso de la escalera trasera y prueba otra puerta, pero sin éxito, y en su lugar sube por una escalera de incendios hasta el techo.

La cámara nos lleva a través de cada piso de la casa y se detiene para mostrar a Meg moviéndose en la cama antes de tomar una panorámica hacia un tragaluz donde el hombre pasa a hurtadillas. Al rastrear el pasillo, la cámara termina su viaje dentro de un armario cercano y revela una abertura en el techo que el hombre usa para finalmente entrar.

Significado:

Es fácil aceptar esta escena como una expresión extravagante del trabajo de cámara, incluido el encuadre irónico, pero su significado está mucho más arraigado en las intenciones generales de Fincher con Panic Room. Al igual que con sus trabajos anteriores, Fincher parece estar utilizando esta película como una exploración de varias emociones humanas, en particular la codicia y la paranoia, dentro de los confines de un entorno a menudo considerado familiar, pero sesgado.

En Panic Room, este entorno familiar es el hogar de alguien, un nuevo hogar para Meg y su hija, Sarah, pero esta casa también contiene un prado secreto que se creó con el único propósito de mantener al propietario dentro y a los demás fuera.

La función de la toma de seguimiento en esta escena es permitir que la cámara exista sin restricción de las paredes o pisos. Al librar la escena de cualquier parada o bloqueo especial, la cámara se ve obligada a mirar sin pestañear a medida que se desarrolla la tensión y, posteriormente, actúa como una especie de espectador impotente ante el terror que sobreviene a esta madre e hija. Nosotros, como público, asumimos esta impotencia cuando vemos a un grupo de hombres rodear el nuevo hogar de una familia como buitres, buscando cualquier oportunidad que puedan encontrar para entrar.

7. Película: Zodiac (2007) | Escena: The Killings in Napa Valley

Escena:

Después de revitalizar el género con Se7en, el glorioso regreso de Fincher a los thrillers de detectives y asesinos en serie se produjo en 2007 con Zodiac, una representación de los asesinatos del Zodiaco influenciados por crímenes reales que asolaron el norte de California durante años. Contada desde los puntos de vista de los periodistas, detectives y las víctimas del Zodíaco, la película explora tanto los horribles asesinatos como la atmósfera general de la época con una profundidad y un detalle excepcionales. Uno de estos eventos tuvo lugar alrededor de un lago en el valle de Napa, donde dos jóvenes se encontraron con el Zodiac y posteriormente fueron atados, apuñalados y dados por muertos.

Mientras que la pareja inicialmente disfruta de un picnic junto al lago, el Zodíaco aparece de repente detrás de un árbol cercano y comienza a intimidarlos con una pistola. Después de rechazar la oferta de dinero de la pareja y las llaves de su auto, el Zodíaco obliga a la mujer a atar a su novio y luego a la niña él mismo.

Sin nada con lo que negociar, la pareja está atrapada en el terror. Usan sus últimos momentos para mirarse a los ojos antes de que el Zodíaco saque un cuchillo y apuñale al hombre por la espalda repetidamente. Luego clava el cuchillo en la espalda y el abdomen de la mujer y aquí es donde termina climáticamente la carnicería. En lo que parece ser la misma área, pero más tarde en el día, se muestra al hombre sentado junto a un camión, apenas con vida, y la llamada del Zodiac a la policía se escucha por encima de la inquietante imagen.

Significado:

La masacre en Napa Valley proporciona a la película su escena más espantosa y lo hace con una sorprendente cantidad de sobriedad. Filmada con luz brillante con una claridad vívida, la escena se parece más a una obra de arte dramática que a la escena de un crimen, pero esta cierta cantidad de claridad hace que la escena sea realmente horrible una vez que comienza la violencia. La cámara se fija en los rostros de la pareja y en las acciones de Zodiac mientras apuñala a sus víctimas una y otra vez.

La pura barbarie del acto se captura en su totalidad y Fincher parece negarle a la audiencia un momento para respirar una vez que el Zodíaco da a conocer su presencia. De esta manera, los asesinatos del Valle de Napa representan al Zodíaco como un todo: creando una atmósfera artísticamente agradable, llenando ese espacio con personajes ricos y complejos y luego construyendo una tensión palpable hasta que el Zodíaco entra en escena. La dirección de Fincher nunca se ha sentido tan firmemente establecida como aquí y su dominio de la historia y los personajes es incuestionablemente sólido.

8. Película: Zodiac (2007) | Escena: The Basement

Escena:

La identidad del asesino del Zodíaco nunca ha sido confirmada oficialmente, pero muchas teorías aún rodean el caso y hay algunas personas que han estado involucradas desde el principio que continúan creyendo que uno o dos de los principales sospechosos originales eran de hecho el Zodíaco.

Uno de esos sospechosos fue un hombre llamado Rick Marshall, quien se convirtió en el principal sospechoso después de que las autoridades determinaran que tenía una relación pasada con una de las víctimas y porque su letra puede haber sido tan parecida a la del Zodíaco como cualquiera que hayan visto. Aunque se consideró que Marshall no era compatible, el dibujante y aficionado al zodiaco Robert Graysmith se negó a creer que el hombre pudiera descartarse como sospechoso por completo.

En lo que muchos fanáticos ven como la escena más intensa de la película, Graysmith busca a un colega de Rick Marshall para discutir la apariencia de su escritura en un póster de película. Después de reunirse con Bob Vaughn (interpretado a la perfección por el actor de personajes Charles Fleischer) y seguirlo de regreso a una casa vieja, Robert le pregunta sobre la escritura a mano en el póster.

Bob revela que la escritura no es en realidad de Marshall, sino más bien suya, lo que inmediatamente pone nervioso a Robert. Bob luego le pide a Robert que se una a él en el sótano (algo que los investigadores señalaron como un posible "taller" para el Zodiac y una rareza en los hogares californianos). Robert sigue cautelosamente a Bob hasta el sótano y, ansioso, vuelve a subir una vez que cree que alguien más está en la casa con ellos. Bob Vaughn nunca es considerado seriamente como un sospechoso, pero la escena parece sacada de una película de terror y continúa arrasando con los espectadores.

Importancia:

Zodiac nunca se suele considerar una película de terror, y aunque ciertamente contiene aspectos horripilantes, está más en línea con otros dramas criminales y thrillers históricos que con tu película de terror clásica. No obstante, esta escena en particular evoca sentimientos innegables de ansiedad y pavor, y usa nuestra propia imaginación en contra nuestra para evocar una serie de destinos horribles que podrían sucederle a Robert en ese sótano. En algunos aspectos, esta película actúa como una secuela espiritual de Se7en en la forma en que utiliza los miedos más profundos del público para crear tensión en torno a los personajes con los que más nos hemos conectado.

Del mismo modo, Fincher también implementa muchas de las mismas señales y técnicas visuales que usó en Se7en para hacer que estos sentimientos de inquietud sean ineludiblemente profundos. Esto incluye los primeros planos anormalmente ajustados de las caras de ambos personajes, así como los efectos de iluminación de bajo nivel que dan a los personajes sombras y reflejos inquietantes.

Y una vez que Robert y Bob están en el sótano, los espacios extremadamente reducidos se parecen a los del apartamento laberíntico de John Doe en el que los detectives Somerset y Mills deben buscar y navegar. Con Zodiac, Fincher no solo creó con éxito un seguimiento digno de su notable función de segundo año; también revitalizó su sentido del espectáculo visual y produjo la que podría decirse que es su mejor película hasta el momento.

9. Película: The Social Network (2010) | Escena: Hacking Harvard

Escena:

Mark Zuckerberg es todo un personaje de la cultura moderna, que representa tanto el ingenio técnico como la manipulación corporativa.

En The Social Network, David Fincher usa la historia de Zuckerberg para representar un personaje moralmente complejo, y lo hace iluminando incluso los detalles

más pequeños con respecto a la creación de Facebook, así como difuminando las líneas entre las personas públicas y privadas de Zuckerberg. La escena que más ilustra esto tiene lugar al principio de la película y muestra a Zuckerberg pirateando los Facebook de varias escuelas de Harvard y configurando un algoritmo de red que eventualmente conducirá al inicio de Facebook.

Después de ser abandonado una noche, Zuckerberg pasa el resto de la noche emborrachándose y ventilando sus quejas sobre las mujeres en un blog personal. En el proceso de avergonzar a esta chica, decide trabajar en un programa que toma fotos de Facebook de estudiantes de Harvard y permite a los usuarios compararlas según su atractivo. Luego, Fincher nos presenta a la verdadera estrella de la película: la magnífica partitura compuesta por Trent Reznor y Atticus Ross.

A medida que su composición ganadora del Oscar nos lleva a través de una reunión de fraternidad / hermandad de mujeres en todo el campus, la película comienza a cruzar entre aquí y la escritura obsesiva de Zuckerberg. Finalmente termina el algoritmo y lo desata en el cuerpo estudiantil de Harvard, sin darse cuenta de los altibajos épicos que seguirán.

Importancia:

Fincher utiliza una variedad de imágenes visuales para llevarnos al interior de la mente de una de las figuras más destacadas del siglo XXI. Estas imágenes van desde primeros planos de la programación maníaca de Zuckerberg hasta tomas panorámicas de jóvenes co-editores que son llevados a casas de fraternidad, todo en un esfuerzo por brindar a la audiencia una representación más lúcida del entorno de estos personajes. Es importante ver dónde comenzó Zuckerberg para comprender mejor cómo logró la posición en la que se encuentra actualmente.

Esta escena también detalla cómo las motivaciones de Zuckerberg para crear lo que eventualmente se convertirá en Facebook pueden no haber sido del todo admirables. Fincher nos muestra que la inspiración para una idea revolucionaria como esta nunca debe perderse en la fuerte conmoción social que puede surgir después, y que una idea es tan fuerte como quien la concibe.

La Red Social se niega a tomar un lado definitivo en este debate, pero muestra suficiente evidencia de las prácticas comerciales maliciosas de Zuckerberg para darnos una buena indicación de lo que este gigante tecnológico está dispuesto a hacer por su empresa.

10. Película: La chica del dragón tatuado (2011) | Escena: La venganza de Lisbeth

Escena:

Los remakes estadounidenses de películas extranjeras bien establecidas tienen una larga historia de incitar tanto esperanzas cautelosamente optimistas como la inevitable y absoluta decepción (por ejemplo, el propio remake de George Sluizer de The Vanishing (1993) o Oldboy de Spike Lee (2013)).

La chica del dragón tatuado de David Fincher podría haber sufrido un destino similar, pero su nueva versión de la popular película sueca de Niels Arden Oplev es tan apasionante y sombría como cualquier otro trabajo de Fincher. Además de contar con un elenco impresionante, la película de Fincher captura el mismo nivel de intriga para la investigación de Mikael Blomkvist y para el misterioso pasado de Lisbeth Salander, el último de los cuales contextualiza una de las escenas más justificadamente horripilantes de la película.

Después de ser sometida a numerosos actos de tortura y degradación sexual a manos de su nuevo tutor, Lisbeth sorprende a su violador en su próximo encuentro probándolo, desnudándolo y atándolo a un poste de la cama. Luego procede a exigir su venganza agrediéndolo con un juguete sexual y marcándolo con un tatuaje que expone sus crímenes sádicos contra las mujeres.

Ella también lo chantajea con evidencia en video de su propio asalto y lo obliga a darle el control total sobre sus asuntos. El compromiso de Lisbeth con la justicia ojo por ojo es indudablemente primordial y Fincher usa esta escena para crear efectivamente una imagen de una mujer vigilante en un mundo de misoginia y crueldad deplorable.

Importancia:

La escena de venganza de Lisbeth puntúa muchos de los temas predominantes a lo largo de la serie original "Girl ..." y que están igualmente presentes en la película de Fincher, incluida la misoginia violenta, la represión sexual y la lucha por el abandono familiar.

La tutora original de Lisbeth desde la infancia sufre un derrame cerebral importante y se vuelve incapaz de cuidarla de la misma manera, por lo que cuando su nueva tutora la acosa y asalta sexualmente, Lisbeth pierde tanto el sentido de compañía como una parte de su identidad sexual. La atroz violencia que Lisbeth debe soportar por parte de su tutor es inexpresablemente monstruosa, pero trágicamente común en gran parte del mundo. Por lo tanto, su venganza es profundamente catártica y comunica agudamente una rabia comprensible que se cuela debajo.

La dirección de Fincher expresa la rabia de Lisbeth en dos marcados contrastes: la víctima y el justiciero. En escenas anteriores entre Lisbeth y su tutor, ella está enmarcada en posiciones pasivas y apenas muestra contacto visual en todo momento, pero su enojo no es menos evidente.

Luego, en esta escena, las acciones de Lisbeth pueden sugerir que una furia incontenible tiene control sobre ella, pero en realidad es su primera comprensión perceptible de controlar las fuerzas que afectan su vida. Ella está enmarcada desde abajo, lo que le da una poderosa postura de autoridad mientras lleva a cabo su venganza con una clara cantidad de lucidez y precisión. Lisbeth está comenzando a reclamar su autonomía de aquellos que se esforzarían por controlarla y Fincher está allí para capturar la escena en todo su esplendor artístico.