Toda serie animada debe comenzar con una premisa; misma que dará paso al guion.
¿Sueñas con crear una película animada que capture la atención del público y lo transporte a mundos fantásticos? ¡Convertir esa visión en realidad está a tu alcance! En este blog, te guiaremos paso a paso en el fascinante proceso de cómo hacer un guion para una película animada, desde la chispa inicial de una idea hasta la construcción de una historia sólida y
cautivadora.
Prepárate para sumergirte en un universo de creatividad, donde personajes entrañables, aventuras emocionantes y mensajes profundos cobran vida a través del poder de la animación. Acompáñanos en este viaje y descubre cómo hacer un guion para una película animada.
1. Define tu idea:
¿Qué tipo de historia quieres contar? ¿Comedia, aventura, drama, fantasía?
¿Cuál es el mensaje principal de tu película? ¿Qué quieres que los espectadores aprendan o sientan?
¿A qué público te diriges? Niños, adultos, público familiar.
Después de haber estado desaparecido durante casi 20 años, Rick Sánchez llega de imprevisto a la puerta de la casa de su hija Beth y se va a vivir con ella y su familia utilizando el garaje como su laboratorio personal.
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2. Crea tus personajes:
Desarrolla personajes principales y secundarios bien definidos. Dales personalidades, motivaciones, objetivos y defectos.
Escribe diálogos naturales y creíbles. Asegúrate de que los personajes hablen de acuerdo a su edad, personalidad y contexto. Define la apariencia de tus personajes. Bocetos, descripciones detalladas.
Con las dispares ciudades de Piltover y Zaun como telón de fondo, dos hermanas luchan en bandos opuestos de una guerra entre tecnologías mágicas y creencias enfrentadas.
3. Elabora la trama:
Estructura tu historia en tres actos:
Primer acto: Introduce a los personajes, el mundo y el conflicto principal.
Segundo acto: Desarrolla el conflicto, aumenta la tensión y los obstáculos.
Tercer acto: Resuelve el conflicto, desenlace y mensaje final.
Crea una línea de tiempo de los eventos principales. Define los puntos de giro de la historia. Momentos que cambian el rumbo de la trama.
4. Escribe escenas detalladas:
Describe cada escena: ubicación, personajes, acciones, diálogos y emociones.
Utiliza un lenguaje visual claro y conciso. Imagina la escena como si la estuvieras viendo en una película.
Incluye indicaciones para la música y los efectos de sonido.
5. Formato del guión:
Utiliza un formato estándar de guión de animación. Cada escena debe comenzar en una nueva línea. Los nombres de los personajes se escriben en mayúsculas. Los diálogos se escriben entre comillas. Las acciones y descripciones se escriben en cursiva.
El tío Stan invita a los gemelos Dipper y Mabel Pines a pasar el verano en el misterioso pueblo de Gravity Falls, Oregón. Los niños lo ayudan en la Cabaña del Misterio, la trampa turística que posee.
6. Revisión y edición:
Lee tu guión en voz alta para detectar errores de ritmo o fluidez.
Pide a otras personas que lean tu guión y te den feedback.
Edita y reescribe tu guión hasta que estés satisfecho con el resultado.
Recursos adicionales: Libros sobre escritura de guiones: "El guion: estructura, estilo y técnica del cine" de Syd Field, "Story" de Robert McKee
Una colección de cuentos animados en varios géneros, que incluyen ciencia ficción, fantasía, horror y comedia.
Recuerda:
La creatividad es fundamental. No tengas miedo de experimentar y probar diferentes ideas.
La paciencia y la perseverancia son claves. Escribir un guión requiere tiempo y esfuerzo.
Busca feedback y asesoramiento de otros profesionales de la animación.
Series animadas Animación Guión Como escribir guión
La historia del cine es un viaje fascinante que va desde las primeras imágenes en movimiento hasta las películas de gran presupuesto y efectos especiales que vemos hoy en día.
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Trabajadores abandonando la fábrica Lumiére.
Nacimiento del cine (finales del siglo XIX):
Se considera el nacimiento del cine como espectáculo público el 28 de diciembre de 1895. En esa fecha, los hermanos franceses Auguste y Louis Lumière realizaron la primera proyección pública cinematográfica en París, Francia.Su invento, el cinematógrafo, no solo era capaz de grabar imágenes en movimiento sino también proyectarlas. Las primeras películas de los Lumière eran cortas y documentales, mostrando escenas de la vida cotidiana como la salida de trabajadores de una fábrica.
Le Voyage dans la Lune es una película francesa de 1902, en blanco y negro, muda y de ciencia ficción dirigida por Georges Méliès.
Cine mudo (principios del siglo XX):
El cine mudo abarcó las primeras décadas del siglo XX.
Las películas mudas carecían de sonido sincronizado, pero contaban historias a través de imágenes, lenguaje corporal, escenografía y títulos interpelados.
En esta época surgieron grandes figuras del cine como Georges Méliès, un pionero del cine de fantasía y ciencia ficción, y D.W. Griffith, considerado el padre del cine narrativo estadounidense.
Cine sonoro (años 20):
La llegada del sonido a finales de la década de 1920 revolucionó la industria cinematográfica.La primera película sonora se considera El cantante de jazz (1927), aunque todavía tenía partes mudas. El cine sonoro permitió una experiencia más inmersiva y realista para los espectadores.
La Época de Oro de Hollywood (décadas de 1930 y 1940):
Hollywood, en Estados Unidos, se convirtió en la meca del cine durante esta época.
Surgieron los grandes estudios cinematográficos que dominaron la industria, produciendo películas de géneros como musicales, comedias, dramas románticos y westerns.
Grandes estrellas del cine como Marlene Dietrich, Humphrey Bogart, Clark Gable y Greta Garbo brillaron en la pantalla grande.
En Marruecos, el dueño (Humphrey Bogart) de un café ayuda a su ex novia (Ingrid Bergman) y a su marido (Paul Henreid) a escapar de los nazis.
Cine después de la Segunda Guerra Mundial (décadas de 1950 y 1960):
Tras la guerra, el cine reflejó los cambios sociales y políticos de la época.
Surgieron movimientos cinematográficos como el neorrealismo italiano y la Nouvelle Vague francesa, que se caracterizaron por un estilo más realista y socialmente crítico.
El cine de ciencia ficción y el cine de terror también ganaron popularidad en esta época.
La aclamada historia de Federico Fellini acerca del angustiado reportero de un tabloide que se une a la
decadente ciudad de Roma en la era moderna. 1960.
Cine contemporáneo (desde finales del siglo XX hasta la actualidad):
El cine contemporáneo se caracteriza por una gran diversidad de estilos y géneros.
La llegada de la tecnología digital ha revolucionado la producción y distribución cinematográfica. Efectos especiales cada vez más sofisticados permiten crear mundos fantásticos e inimaginables en pantalla. El cine sigue siendo una poderosa herramienta para el entretenimiento, la educación y la reflexión social. Además de estos hitos, la historia del cine también está marcada por: El desarrollo de nuevas tecnologías como el Technicolor, que permitió el uso del color en las películas.La creación de festivales de cine internacionales como Cannes y Berlín.La globalización del cine, con películas provenientes de todo el mundo.
Tanto Gi Taek como su familia están sin trabajo. Cuando su hijo mayor, Gi Woo, empieza a impartir clases particulares en la adinerada casa de los Park, las dos familias entablan una relación de resultados imprevisibles.
Cine Películas Historia del cine Géneros de películas
Las tiras, revistas, libros o cuadernos de “monitos”, cosa menor, se diría, tienen una larga historia y su efecto en la cultura y acaso también en la política es, sin duda, cosa mayor. Aquí se presenta la trayectoria de uno de los precursores del llamado cómic, William Hogarth (1697-1764), cuyo trabajo puso las bases de la narrativa gráfica y el cartón político, y sigue ejerciendo su influencia.
Es muy probable que un consumidor de historietas actual se sintiera decepcionado si le propusiéramos la lectura de lo que fue la semilla del cómic en el siglo XVIII. Para que las historietas llegaran a verse como hoy se ven, tuvieron que recorrer un camino largo de mutaciones continuas, producto del contexto histórico, nuevos códigos artísticos o logros técnicos; una ruta señalada, de tanto en tanto, por lumbreras definitorias en la construcción de un lenguaje.
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Uno de los pilares tempranos en la gestación de lo que hoy llamamos cómic, historieta o tebeo, es William Hogarth, nacido en 1697, en Bartholomew Close, Londres.
La importancia del artista se manifiesta en su fama de ser hoy reconocido como uno de los padres del cómic y prácticamente el abuelo del cartón político; se movía camaleónicamente de la sátira al academicismo, de la pintura al grabado, de la narración secuencializada a la estampa en un solo cuadro. Era pintor, grabador, caricaturista, ilustrador y crítico de arte.
Hogarth no solamente abrevaba de la influencia de sus predecesores, como Albrecht Dürer, Pieter Bruegel el Viejo, Da Vinci y Michelangelo sino, además, de las experiencias traumáticas de una vida personal marcada desde temprana edad, como la de vivir desde niño con su familia en una cárcel para deudores. Por eso no es de sorprender que su obra esté poblada de apostadores, chicos malvados, ladrones, adictos y fauna de no muy fino pelaje del bajo mundo londinense, y que sus ciclos narrativos terminen muchas veces en la cárcel, en el manicomio o en la tumba.
El Newton de la caricatura
En las historias de Hogarth, el destino de los personajes ya no depende, como en las obras mitológicas o religiosas, de una fuerza metafísica, sino de una elección moral, de un dilema afrontado por el personaje al tener que escoger entre el vicio y la virtud.
En esta categoría están algunas de sus obras secuencializadas más famosas como A Harlot’s Progress, de 1732, que narra la desventurada historia de una cortesana, así como A Rake’s Progress, su equivalente masculino de 1735, que cuenta el destino fatal de un apostador empedernido que termina encerrado en el manicomio.
La muy versátil obra de Hogarth no sólo abre una ventana para asomarnos a la historia y a la sociedad inglesa del siglo XVIII, también nos enseña etapas fundamentales en la evolución del cómic y la caricatura política mundial, que corresponde a una nueva manera de mirar el mundo.
Su legado es hijo de una época, un tiempo que sentaría las bases de las expresiones pictóricas del siglo XIX y que dieran lugar después al arte contemporáneo. El artista prácticamente pertenece a la misma camada de los protagonistas de la revolución científica y filosófica de finales del siglo XVII que en Occidente fundó el paradigma empírico racional y preparó el camino para la expansión del capitalismo.
Hume, Locke y Newton fueron artífices de una revolución de las ideas que necesariamente tuvo su correspondencia en el campo de las artes. Podemos arriesgarnos a decir que Hogarth fue a la caricatura política y a la pintura inglesa, lo que Newton fue a la física. Su obra, en este sentido, se inscribe en la intención de fundar una tradición artística laica; los motivos metafísicos o las celebraciones monárquicas dan paso a las representaciones de lo social y lo político, a la indagación de la realidad contemporánea.
A Hogarth le gustaba perderse en paseos por los alrededores de Smithfield, durante la Feria de San Bartolomeo y recorrer los laberintos que ofrecían gran variedad de imágenes ricas en personajes y espectáculos; esta experiencia vital le hizo componer grabados que llevan al ojo a pasearse por las láminas en pos de descubrir personajes y significados en disposiciones casi laberínticas.
En su libro Análisis de la belleza, de 1753, donde habla de los seis principios de la belleza artística (competencia, variedad, regularidad, simplicidad, complejidad, cantidad), dedica un capítulo entero a hablar del placer del espectador cuando la mirada caza, prácticamente, objetos y personajes.
Las imágenes de Hogarth pueden considerarse polisémicas, pues ofrecen al espectador un universo de significados listos a interpretarse.
Esta característica, que el investigador Thierry Smolderen llama “humorismo poligráfico”, ha puesto en duda para algunos la naturaleza de critica política en la obra de Hogarth pues, dicen, no se manifiestan dualidades o posiciones antitéticas ante un discurso oficial, sino una multitud de significados.
Más allá de esta controversia, el fin del arte para él era la representación de la realidad a través de las experiencias vitales de un personaje, de una puesta en escena, de contar una historia; una idea del todo compatible con el iluminismo, con la idea de iluminar, descubrir y explicar.
Narrar con imágenes: la prehistoria del cómic
La observación de la vida cotidiana, de sus miserias y realidades, reflejó su crudeza necesariamente en lo cómico. Personajes como Cervantes, Rabelais y el mismísimo Shakespeare, también legitimaron lo cómico a través de nuevos héroes trágicos, burlescos, bien acogidos tanto por la burguesía como por los estratos más bajos de la sociedad. Ejemplo de ello son las ilustraciones para el Quijote, fechadas en 1726, donde el autor subraya lo grotesco por encima de la representación heroica clásica de los personajes.
Los rasgos que distinguen a Hogarth como un artista popular incluyen, entre otros, el hecho de haber derrumbado, con sus estampas satíricas, los confines culturales de la “alta” y “baja” cultura; él mismo se convirtió en su propio editor, optando por una producción popular de bajo costo, menos lucidora y prestigiosa que la de un pintor clásico, pero que lo popularizó y lo hizo rico rápidamente.
Sus grabados exigían un estilo que fuese compatible a la narración de historias, a la crónica contemporánea, y nada mejor para ello que la sátira.
Las composiciones de Hogarth revolucionaron la manera en que las imágenes eran concebidas: entre la noticia y la ilustración, entre el periodismo y lo literario.
Sin embargo, para un lector moderno es muy difícil leer y encontrar las claves para entender sus obras; la distancia del tiempo y del espacio las hacen incomprensibles y crípticas; expresiones cuya lectura es, pareciera, sólo posible para el ojo entrenado y son, sin embargo, el caldo primordial donde ya encontramos algunos elementos de la caricatura política y la historieta contemporánea.
Las claves para su lectura hay que buscarlas en una forma de entretenimiento que, a partir del segundo cuarto del siglo XVIII, conquistaba los corazones de todas las clases sociales: el teatro. Obras como A Harlot’s Progress contienen láminas cuyo significado puede leerse a la luz de su tiempo. El artista emplea una técnica convencional de la pintura histórica, que consiste en darnos indicios en cada cuadro, de una secuencia narrativa.
Más allá de los símbolos ocultos en cada lámina, que son un montón y que Hogarth se ufanaba en esparcir con singular alegría, y de la multiplicidad de significados que pueden tener leídos en el contexto de la época, sus trabajos tienen que ver con la historia del cómic porque inauguran una manera de abordar la narración a través de imágenes.
Las del autor inglés son láminas concatenadas con un personaje de ficción recurrente, con un protagonista cuyas vicisitudes se siguen progresivamente; cada imagen adquiere sentido y se enriquece en una sucesión cronológica que forma parte de una narración más amplia.
Se puede decir que con Hogarth estamos asistiendo a las primeras intentonas de pasar de la ilustración a la narración, de hacer que el texto verbal sea poco a poco un paratexto de las imágenes, que las palabras se subordinen a ellas y no al revés.
Historieta y cartón político
Mientras los cómics modernos cuentan en sus cuadros acontecimientos que se suceden cada minuto o cada segundo, las historias de William Hogarth se despliegan a través de los días, de los meses o de los años, como en The Harlot’s Progress. A partir de Hogarth, en general, la carrera de la historieta hará menos complicados sus cuadritos, sacrificará la complejidad gráfica en pos de la complejidad narrativa, en gran parte impulsada por el descubrimiento de la fotografía.
Hogarth consigue que el público se convierta en constructor de la historia al dar indicios de cómo continúa. En este mismo orden de ideas de “tiempo interrumpido”, también son frecuentes sus guiños a las teorías de su época: por ejemplo, al “mundo máquina”; de ahí la constante aparición del reloj como un símbolo de la idea mecanicista del universo.
Junto con Rodolphe Topffer, Richard Felton o Wilhelm Busch, William Hogarth se disputa la paternidad del primer cómic de la historia, mientras que caricaturistas políticos como Thomas Rowlandson o James Gillray fueron los continuadores en la evolución del cartón político moderno, del cual Hogarth también es precursor.
Las sátiras de la litografía francesa del siglo XIX en manos de Daumier y Jean Ignace Grandville, también son sus herederas, y más cercanos en el tiempo podemos reconocer su influencia en caricaturistas, historietistas e ilustradores como Ronald Searle, Martin Rowson, Steve Bell, Thomas Moore o Robert Crumb.
En 1763, William Hogarth sufrió un ataque que lo dejó paralizado y murió en 1764, dejando tras de sí un inmenso legado en los campos de la estética, la lingüística, la narratología, la sociología y la historia del arte.
Aunque Hogarth ha quedado sepultado bajo las ediciones de Marvel y los manga, su trabajo da claves muy interesantes para comprender el lenguaje y la evolución de dos hermanas de la “iconósfera” de hoy: la caricatura política y la historieta.
