La industria del entretenimiento jamás estaría completa sin el anime. Originado en Japón alrededor de la década de los 60, este estilo de dibujos animados con personajes de animación hechos tanto a mano como en computadora, es ahora famoso en todo el mundo.
Desde series populares como Naruto y Attack on Titan hasta la más reciente adaptación de Star Wars: Visions, el anime forma parte de nuestras vidas. Además la oferta de trabajo en este sector está muy infravalorada en países de occidente.
Sin embargo, el anime es un estilo más sencillo de realizar de lo que parece. Es por eso que en este blog te enseñaremos 5 principios que te harán mejorar tus dibujos para que puedas comenzar a crear anime al instante.
Star Wars: Visions - Disney Plus
Aprende a dibujar desde cero
La estructura en el anime
Toda figura humana en el dibujo está compuesta de bocetos fabricados con figuras tridimensionales básicas: el cubo, el cilindro, la pirámide y la esfera. No obstante, para tener una buena estructura esta debe ser: proporcional, expresiva, flexible, dinámica y tridimensional. A continuación te explicamos cada una.
Proporción
La proporción se refiere a las dimensiones de tu personaje y al tamaño de sus extremidades con respecto al resto de su cuerpo. Este principio aplica para todo dibujo anatómico, pero en el anime se suele utilizar el estándar de ½, ⅔, ⅓. Esto significa que una parte del cuerpo mide la mitad del cuerpo completo, otra parte dos tercios de esa mitad y la última mide el tercio de la parte anterior.
Si realizas esto de arriba para abajo obtienes un dibujo tipo chibi, si lo realizas al revés obtendrás el estilo anime tradicional. En síntesis, todo lo ajeno a esa proporción son variantes más complejas de la estándar.
Expresión Corporal y Facial
Este principio se refiere a la capacidad de comunicar sentimientos y emociones a través de la pose de nuestros personajes. Las sensaciones más comunes en el anime son el cansancio, el hambre, el dolor y el sueño, y las emociones como la alegría, la sorpresa, la determinación y la tristeza. También puedes representar todo esto a través de la gesticulación de tus personajes y una vez domines la expresividad tus personajes se sentirán más profundos.
Flexibilidad
Kimetsu No Yaiba - Anime
La flexibilidad se refiere a la distorsión que existe cuando tu personaje está en una pose dinámica. Es decir, si tu personaje está estirándose, agachándose o volteando hacia algún lado, tendrá flexibilidad. Esto también quiere decir que habrá balance. Si se estira de un lado, se apachurrará del otro; si su torso sube, su pelvis baja.
Dinamismo
Tokyo Ghoul - Anime
La flexibilidad y el dinamismo son compañeros. Este último consiste en la capacidad de caricaturización y exageración de todos los principios anteriores. Dependiendo de lo realista que sea tu estilo será el grado de dinamismo, aunque siempre estará presente. Incluso se puede reducir la anatomía del personaje para que luzca aún más exagerado.
Tridimensionalidad
Anteriormente hablamos de las figuras básicas y de cómo estas son la base de la anatomía en los dibujos. Sin embargo, figuras simples no son sinónimo de figuras planas. Es aquí donde entra el último concepto: la tridimensionalidad. Esta hace énfasis en el volúmen que tendrán las partes del cuerpo que estés dibujando.
Para tener más control sobre la tridimensionalidad es bueno agregarle líneas complementarias a las figuras que hayas trazado en tus bocetos. Estás líneas también serán útiles para marcar separaciones importantes. Hasta puedes usarlas en el rostro.
Algunos consejos extra
Es bueno comenzar siempre por la cabeza. Primero trazamos un círculo (la cabeza), luego un triángulo debajo (el mentón) y por último delimitamos las partes del rostro con líneas paralelas.
Normalmente la proporción del torso es tres veces el tamaño de la cabeza.
Las columnas vertebrales sanas tienen forma de S. Puedes trazar una línea que surja desde la cabeza para eso.
Los muslos suelen ser más anchos que los brazos, así que no temas en exagerar un poco con el dinamismo para esa parte. Lo mismo aplica con la forma de los ojos.
Y listo. Ahora ya tienes las herramientas más básicas para comenzar a soltarte en el papel en blanco y dibujar en estilo anime como todo un profesional. Recuerda seguir esta página para aprender más sobre técnicas, estilos y estructuras.
La Tri-Wing S-91x Pegasus Starfighter fue la nave diseñada en 2019 por Concept Designers de Lucasfilm y Porsche para el episodio IX "El asenso de Skywalker" de la saga Star Wars inspirada en el Porsche Taycan y el 911.
Explora los diplomados que tenemos preparados para ti.
EL RETO
Lograr la fusión entre la estética de Porshe y el mundo de Star Wars no fue una tarea fácil. "La idea me pareció creativa, desafiante y extremadamente inspiradora”, comentó Doug Chiang, Vicepresidente y Director Creativo de Lucasfilm, en un comunicado distribuido por la marca alemana. "Es emocionante fusionar el mundo de Star Wars con el estilo característico de Porsche para crear una nueva nave espacial icónica que podría existir tanto en la Tierra como en el universo cinematográfico".
Diseño interior.
El Porsche espacial adopta una silueta de botella que nos remonta al modelo eléctrico Stuttgart, su estilo compacto transmite dinamismo y agilidad. La parte frontal asemeja a las entradas de aire del Taycan y la luz diurna de cuatro puntos de los Porshe de última generación se encuentra presente en los cañones de disparo de la nave; en la parrilla trasera se incorporan láminas verticales dotándolo de personalidad imponente.
Tri-Wing S-91x Pegasus Starfighter.
La iluminación también es distintiva de la marca y el interior se centra en la conducción orientada al piloto recordando la ergonomía del Porsche 918 Spyder.
Algo fundamental para el diseño de vehículos para la pantalla grande es la capacidad de que éstos sean reconocibles y logren crear emociones en cuestión de segundos, lo que logra el Tri-Wing S-91.
"Con este proyecto unimos dos mundos: el exótico diseño cinematográfico de una galaxia muy, muy lejana y el trabajo de precisión que se realiza en el desarrollo de los emocionantes deportivos Porsche". Doug Chiang.
Los elementos de diseño que plantean una sinergia entre productos de entretenimiento y marcas comerciales implican un enorme desafío creativo que la formación de un Concept Designer puede resolver creando productos memorables que pueden ir más allá de la pantalla grande.
El Matte Painting es una técnica digital que permite crear cualquier tipo de escenario imaginario a partir de fotografías e ilustración digital y la correcta mezcla de éstas para obtener resultados realistas con un impactante nivel de detalle. Se aplica a nivel profesional en todo tipo de ámbitos, como el editorial, la publicidad, el cine y los videojuegos.
El significado de Matte Painting hace referencia a una técnica de efectos especiales que permite crear cualquier tipo de escenario digital, es decir, hace posible la construcción de mundos imaginarios que parecen reales. Gracias a esta técnica, podemos recrear una bosque fantástico, una nave nodriza o lo que tu proyecto necesite.
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Los inicios del Matte Painting
El primer proyecto que le involucra se realizó en 1907 por Norman O. Dawn, uno de los primeros directores de cine en EUA quien además fue pintor. Dawn utilizó la técnica del Matte Painting en la película Missions of California con el propósito de reconstruir algunos edificios. Para lograrlo, pintó varias secciones de los edificios en un cristal y las alineó con las partes de los edificios reales.
Así mismo, el Matte Painting también se usaba con miniaturas o maquetas, las cuales se colocaban entre el fondo y la lámina del cristal.
Más adelante, en 1930, películas como Drácula y King Kong evidenciaron la gran ventaja de utilizar la técnica del Matte Painting para recrear escenarios como islas y castillos realistas. Posteriormente, en 1960, el Matte Painting hizo posible llevar a la pantalla grande filmes como "El planeta de los Simios".
En la actualidad, el Matte Painting se ha convertido en una actividad mucho más práctica, ya que ahora los profesionales especializados en esta técnica pueden realizarla de manera más sencilla a través de software de diseño como Photoshop.
Al ser una técnica muy rápida para la creación de escenarios el Matte Painting evolucionó y pasó de ser exclusiva del cine, a ser parte importante del flujo de trabajo dentro de industrias como la publicidad, los videojuegos y la televisión.
¿Cuáles son los fundamentos del Matte Painting?
Para comprender correctamente los fundamentos del Matte Painting debemos hablar de composición.
Efecto de profundidad.
1. La composición.
Es la técnica con la cual se distribuyen y disponen los elementos en una escena, fotografía o pintura con la intención de generar algún efecto en los espectadores. La composición de cualquier obra de arte debe hacerse con un objetivo claro para poder aprovechar el simbolismo de los elementos.
2. Luz.
La ilustración que realizamos debe ser lo más cercana a la realidad para lo cual es necesario poner especial atención al comportamiento de la luz. Comprender cómo impacta el sol, la luna o la luz en general a los espacios u objetos de tu entorno. Observar cómo incide la luz en los diferentes elementos de nuestro entorno a lo largo del día es necesario para poder recrearla dentro de una escena en el futuro. Para lo anterior, lo mejor es guiarse de ejemplos reales, en lugar de utilizar como referencia otros proyectos de Matte Painting. De esta manera, evitaremos crear desde la interpretación de otros artistas y nos concentraremos fielmente en la realidad.
Muestra final y proceso.
3. Color.
Debemos tener especial consideración con las tonalidades que incluyamos pues de cada una de estas dependerá el efecto final de nuestra composición. Cuanto más lejos están los elementos en una imagen, estos pierden saturación y contraste.
4. Proporciones y perspectivas.
Para crear composiciones más creíbles utilizando Matte Painting, debemos saber cómo disponer cada elemento en el escenario. Para dominar este aspecto debemos practicar observando fotografías para saber así cómo representar la relación que existe entre cada parte de tu obra de forma realista. Al identificar las proporciones, perspectivas y planos de estas imágenes conseguiremos composiciones más creíbles.
Puntos focales.
5. Encuadre.
Adicionalmente debemos considerar la creación de un punto focal dentro de la obra; misma que guíe al espectador a través de su lectura. Con esto podremos ponderar los elementos entro de la obra y dotarle de cierta narrativa que esté alineada siempre al concepto inicial.
6. Dirección Visual.
La creación de una obra a través del Matte Painting debe considerar el estilo que el director visual haya establecido para la toma en la escena de la película. Formas, texturas y color deben mantenerse ceñidos a la formulación que esté aprobada previamente. No tomarlo en cuenta puede derivar en una pérdida de la armonía.
Escenarios para animación.
¿Cuáles son las aplicaciones del Matte Painting?
Como dijimos, el Matte Painting es una técnica que ha dejado de ser exclusiva de la industria cinematográfica; pasando de lleno a ser parte de la publicidad, los videojuegos, la fotografía y demás industrias creativo-visuales.
Por lo tanto, si estás interesado en ser una artista del Matte Painting, debes saber que tus creaciones no se limitarán a ser escenas de película, por el contrario, tienes más opciones para materializar tu creatividad.
A continuación, te detallaremos una lista de industrias que utilizan el Matte Painting:
Videojuegos
Fotografía
Arquitectura
Publicidad
Televisión: Incluyendo formatos modernos de la pantalla chica, como series, miniseries y documentales.
¿Cuál software es útil para Matte Painting?
Adobe Photoshop
1. Adobe Photoshop
El Matte Painting con Photoshop es conocido por su facilidad para hacer retoques, modificaciones estéticas y otro tipo de funciones, es una de las favoritas para crear piezas de Matte Painting estáticas. Esto es gracias al poder de sus brushes, funcionalidades y a su ecosistema Adobe.
Adobe After Effects
2. Adobe After Effects
También de la familia Adobe y dedicada a efectos visuales, After Effects se ha posicionado muy bien entre los artistas del Matte Painting debido a su dinamismo y características al momento de emular tomas reales como su rastreador de cámara 3D, separador de imágenes y extensiones para su espacio 3D.
Blender
3. Blender.
El software gratuito y más poderoso de la industria; con el cual podrás hacer sketch, pintar y componer; además de agregar efectos tales como lluvia, niebla, etc.
Autodesk Maya
4. Maya
Esta herramienta puede ser una de las mejores opciones si deseas alta complejidad y extra realismo a tus animaciones de Matte Painting. Hacer Matte Painting con Maya es muy usual en la industria de efectos especiales a nivel mundial gracias a su prestaciones de alto rendimiento y su facilidad de integración con plugins externos.
Maya te brindará gran versatilidad para agregarle diversos componentes a tus proyectos de Matte y captar la atención de los espectadores.
Nuke.
5. Nuke
Este software es principalmente usado en etapas finales de proyectos de Matte Painting, ya que se enfoca en proyecciones y pre-composición, y une todos los elementos de las etapas anteriores en una toma final.
Aunque es muy técnico y poco intuitivo, es muy utilizado por algunos de los mayores exponentes del Matte Painting en el mundo. Por lo tanto, si bien te recomendamos empezar con los primeros programas de nuestra lista, aprender cómo utilizar Nuke será vital para consolidarte como un matte painter.
Ejemplos de Matte Painting
1. Star Wars
Según la página oficial Star Wars, la trilogía original se llevó a cabo con alrededor de 70 matte paintings, todos hechos a base de óleo y acrílico. Muchos de ellos eran complementarios a escenarios reales y otros eran elaborados desde cero para representar escenas espaciales. Los principales artistas de Matte Painting que colaboraron en esta película fueron Nick Hiatt, Ralph McQuarrie y Michael Pangrazio.
Lord of the Rings.
2. El señor de los anillos
Esta película es uno de los ejemplos de Matte Painting más importantes de la historia. La pintura digital y las herramientas de edición hicieron posible el manejo de los distintos niveles de iluminación en cada parte del rodaje, haciendo que los escenarios, a pesar de lucir fantásticos, nos dieran la ilusión de ser reales.
Adicionalmente, para lograr un mayor nivel de detalle, los artistas del Matte Painting crearon duplicados de cada escenario para que la perspectiva y la proporción entre los personajes de distintos tamaños y los escenarios fuera congruente.
Los artistas de Matte Painting que destacan en esta película son Steven Cormann y Dylan Cole.
Game of Thrones.
3. Game of Thrones
En este caso, las escenas en las que se pueden apreciar castillos y ciudades se elaboraron a partir de una base real, puesto que solo se utilizó Matte Painting para agregar edificaciones que iban de acuerdo al contexto de la época.
Sin embargo, las escenas más complejas, en las que se podían presenciar desastres y peleas, fueron elaboradas desde cero.
El artista de Matte Painting responsable de dirigir las creaciones bajo esta técnica fue el alemán Sven Sauer.
Infinity War.
4. The Avengers: Infinity War
En este caso, muchas de las escenas incluyen destrucciones masivas y peleas entre ejércitos numerosos, las cuales se llevan a cabo tanto en la tierra como en otros planetas.
Por lo tanto, para llevar a la pantalla grande aquellos escenarios imposibles de recrear por completo, los directores de la película se valieron de los artistas del Matte Painting para añadir realismo. El artista responsable de llevar a cabo gran parte de lo que es el Matte Painting en este filme fue Saby Menyhe.
