La Animación no tiene edad.

Por Ariel Rubio.

Netflix anunció el año pasado que lanzaría una serie animada para adultos con temática de ciencia ficción de la mano de Tim Miller (Deadpool, Terminator 6) y David Fincher (Fight Club, Alien 3, The Girl with the Dragon Tatto) y por fin hace unas semanas salió a la luz.

Como ya habíamos hablado en la reseña a super Drags, Netflix ha apostado por la animación desde hace algún tiempo, en consecuencia cada vez más se nota el interés por entregar productos de calidad y en romper el paradigma de que la animación es solo para niños.

Aprende a animar.

Love Death & Robots es una antología de 18 cortos animados con una duración de 10 minutos en promedio.

Esta serie puede recordarnos mucho a lo que en su momento hicieron las hermanas Wachowski al producir Animatrix junto a otros famosos directores de animación. También es innegable el parecido que tiene la serie con Black Mirror en cuanto a la identidad misma de la serie (interface sci-fi) y al tipo de historias que cuenta, no obstante se deslinda por completo de ella con el pasar de los capítulos.

Ahora, el elefante en la habitación, la animación es increíble y muy variada: tenemos desde el fotorrealismo - al que nos tiene acostumbrados la industria de los videojuegos triple A - pasando por una animación 2D más “tradicional” con una estética más artística y hasta llegar a un estilo de animación que nos recuerda mucho a Spider-Man Into the Spider-verse.

Esto hace que cada episodio tenga su propio estilo, lo cual es muy refrescante y siempre se agradece. En lo personal pienso que es bastante grato cuando en una película o serie en vez de tomarse los primeros minutos para ponerte en contexto sobre los que estas apunto de ver te ponen en medio de un universo desconocido y la trama te va dando (o no) las explicaciones necesarias.

Lo mismo con los finales abiertos; dejar espacio a la imaginación y acabar una historia con cierta incertidumbre es bastante interesante, sin contar que hace justicia al género en el que entra la serie: el cyberpunk y sus derivados. No obstante, si bien es cierto que muchos capitulos congenian, ya sea en estilo de animación o en estética, en muchas ocasiones el contraste entre una historia y la otra puede ser un poco anti-climático, sobre todo si quien lo ve no está acostumbrado a este tipo de formato.

En conclusión, Love, Death & Robots es uno más de tantos ejemplos de que la animación no solo es para niños y de que se pueden entregar productos de extrema calidad tanto narrativa como visualmente.

Muchas ocasiones como adultos perdemos esta capacidad de imaginar o de soñar con mundos fantásticos y esta serie es una increíble oportunidad para dar un mensaje: la imaginación no es solo para niños, crear nuevos y fascinantes universos no tiene edad.

Aprende los principios básicos de la animación.

¿Por qué es importante la animación?

Por. María Izquierdo.

Generalmente relacionamos la animación con caricaturas y por tanto con niños o la infancia pero en los últimos años la animación, en prácticamente todas sus expresiones, ha tomado las riendas de una gran parte de la industria del entretenimiento y cada vez con seguidores más adultos.

Captura de Love, Dead and Robots; disponible en Netflix.

Ya sea para películas blockbuster o cortometrajes independientes, la animación se ha vuelto un medio muy recurrido para contar historias y es que justamente la animación permite visualizar esas historias de formas que ningún otro medio es capaz de hacer.

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Desde el momento en que el ser humano empezó a plasmar su entorno en paredes de piedra, nos hemos sentido fascinados por el movimiento de la vida; pero no fue sino hasta que comenzaron a construirse artefactos, con el mero objetivo de presentar imágenes en movimiento, que nuestra atención comenzó a posarse poco a poco en la animación como la conocemos.

Con la llegada de la fotografía (y posteriormente el cine), el salto hacia la animación fue casi natural; hoy en día difícilmente podríamos concebir un mundo donde la animación no existe.

Y sin embargo, en muchas ocasiones el prejuicio hacia la animación prevalece; este estigma de que es solamente para niños y adolescentes; lo cual no podría estar más alejado de la realidad.

Aprende a crear y contar historias.

Durante la historia de la animación se ha enriquecido el proceso y la tecnología con los que se trabaja. Desde los zoótropos, pasando por los flipbooks y hasta las praxinoscopios, todos han contribuido a facilitar la manera en que experimentamos la animación.

Y cuando por fin empezó a dominarse el medio, todo tipo de historias y personajes comenzaron a llenar el colectivo de las personas. Difícilmente conoceremos a alguien que no sepa de Felix el Gato o de Mickey Mouse, dos personajes que contribuyeron enormemente a la evolución de la animación, el último gracias al estudio de producción a manos de Walt Disney.

Uno de los casos más populares es por supuesto el de Steamboat Willie, el corto animado donde por primera vez la historia venía acompañada de música sincronizada. Blancanieves, el primer largometraje animado a mano, también de Walt Disney Pictures, presentó la posibilidad de crear filmes largos con una historia única y personajes atractivos que no fueran solamente cómicos.

Steamboat Willie (1928), dirigido por Walt Disney.

Pero Disney no fue el único que impulsó a la animación; en 1957, Hanna-Barbera fue fundada por William Hanna y Joseph Barbera, los directores de Metro-Goldwyn-Mayer. Para los años sesenta, Hanna-Barbera se había convertido en uno de los estudios líder en animación en occidente. Las décadas que le siguieron volvieron a la animación en un coloso con miles de seguidores, no solo en occidente sino también en el resto del mundo, principalmente Asia.

La animación japonesa, o anime, es famosa por su increíble estilización, pero uno de los aspectos que han vuelto al anime un gigante a nivel mundial fue el desarrollo de procesos que pudieran hacer más rápida y más barata la animación. La razón detrás de esto es que los estudios de animación japonesa debían competir con productoras internacionales mucho más grandes que podían lograr una mejor calidad en prácticamente todos los ámbitos; sin embargo, después de la Segunda Guerra Mundial, estas limitaciones lograron convertirse en un beneficio para la industria japonesa y es cuando el anime comienza a perfilarse como le conocemos ahora.

Your Name (2016), dirigido por Makoto Shinkai.

Por supuesto, la tecnología ha avanzado lo suficiente como para que las limitaciones que solía tener el anime ya no se consideren un problema y aunque siempre ha habido ejemplos de obras hermosas a pesar de la limitación en su ejecución, hoy en día es cada vez más común ver ejemplos increíbles de animación japonesa, como lo son los de autores reconocidos mundialmente como Hayao Miyazaki (El Viaje de Chihiro, Mi Vecino Totoro, El Increíble Castillo Vagabundo) o Makoto Shinkai (El Jardín de las Palabras, Your Name).

Lo que el anime permitió fue que muchas historias vieran la luz del día gracias a su ejemplar orden de trabajo. Incluso ahora, el anime ha sido uno de los medios de animación que más suelen arriesgarse al momento de contar historias y rodearse de otras disciplinas que respalden la industria (como la música), y todo eso manteniendo la esencia del estilo, haciendo que sin importar el género, siempre sea reconocido como “anime”.

Para los años 80, la animación se enfrentó a una revolución gracias a que Pixar Animation Studios comenzó a desarrollar software específicamente hecho para animar. Y aunque tardaron varios años en dominar el terreno, hoy en día la animación por computadora es la más común. Sin embargo, el éxito que tuvo Pixar no solamente se debe a la innovación, sino a su especial atención a las historias que nos cuentan.

André y Wally-B (1984), primer corto animado por computadora en utilizar narrativa y personajes.

La industria de la animación se encuentra frente a uno de sus momentos más importantes gracias al acceso a herramientas y tecnología que antes no existían o estaban lejos del alcance de artistas y diseñadores si no formaban parte de un estudio. Además, al ser un medio que apenas encontraba un camino por donde andar, la animación parecía reducirse a historias sin mucha relevancia; eso ya no es así ahora. Con la llegada de plataformas de streaming (Netflix, Hulu, HBO, Amazon, Disney, Apple, BBC, Walmart TV) y la importancia que las nuevas generaciones le otorgan a la animación, no es raro pensar que una de las mejores décadas está por llegar.

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Durante toda su historia, la animación ha encontrado caminos que la faciliten y vuelvan accesible; ese momento ha llegado y contrario a lo que mucha gente cree, la animación es uno de los medios más flexibles con los que se pueden contar cualquier tipo de historias, pues a diferencia de la acción viva, nada de lo que se ve en una pantalla existe todavía.

Grandes artistas y diseñadores, directores y productores, están optando por la animación para contar sus historias. Y nunca antes había sido tan importante que diversas voces hablaran para relatarlas. La animación, lejos de ser un género muchas veces considerado solamente apto para niños, es un medio que permite a la creatividad expandirse sin fronteras; y todavía no hemos terminado de ver lo que puede hacerse con ella.

Spider-Man, Into the Spider-verse (2018), dirigido por Peter Ramsey, Robert Persichetti Jr., Rodney Rothman.

¿Cómo funciona el color?

¿Porqué nos resulta tan difícil aplicar el color?

No importa cuándo entremos en el mundo de la creatividad y/o comunicación visual; cuando llega el momento de traducir ideas a imágenes, el diseñador se enfrenta siempre a los mismos problemas, claro, cada quien en diferentes momentos y grado de dificultad pero casi universalmente, el color genera en los diseñadores un sentimiento muy particular de amor-odio, (y normalmente el odio vence al amor).

Cuando llega el momento de aplicar el color, se pone a prueba nuestra comprensión y dominio del tema.

Aprende todo sobre la Luz, el Color y cómo aplicarlo a tus diseños.

Involuntariamente pensamos que nuestro problema es simplemente que el color es algo difícil de aprender aunque en realidad, dominar el color dependa del entendimiento y dominio de conceptos muy básicos; eso sí, nunca confundir básico con fácil; de lo contrario daremos por sentado que los sabemos.

Por ello será necesario detenernos en ellos puesto que las bases son siempre los pilares (fundamentos) para construir el conocimiento y por tanto el dominio de alguna disciplina.

Desde luego; una pregunta obvia será ¿cuáles son aquellos fundamentos que debemos entender para que nuestra relación con el color sea armoniosa?

Veamos:

Luz (Valor)

Nombre corto para un concepto complejo. Sin luz no podríamos distinguir nada; no existiría ninguna información visual que procesar. Lo que debemos entender es la existencia y la ausencia de la luz pero sin absolutismos pues la luz se percibe siempre en diferentes grados, es decir, la luz está relacionada con su fuerza y su debilidad, así pues, paulatinamente podemos agregar o quitar luz: muchísima

luz = no información, nada de luz = no información.

El segundo aspecto a considerar es que toda fuente de iluminación tiene un color y eso modifica cómo percibimos los objetos, lugares, personas, etc. Además es importante entender que la luz no siempre es blanca y la sombra nunca es negra. Debemos saber también que la luz implica información que se muestra ante nuestros ojos y podemos entenderlo gracias al los siguientes aspectos:

Matiz.

Es en realidad el color puro, con mucha o poca luz, viaja desde el rojo, pasando por cian, amarillo, y así por todo el círculo cromático.

Saturación.

Nos indica qué tan puro es el color. Si existe la ausencia de luz, también existe la ausencia de matiz y si llevamos a cada matiz a su ausencia la tendencia será ir hacia los grises.

Brillo.

Al hablar de brillo nos referimos a la ausencia y existencia de luz en el matiz (pureza de color). Por ejemplo: existe el azul y también existe el azul oscuro. Existe el rojo y el rojo claro, al cual también denominamos “rosa”.

Armonías de color.

Las armonías se usan para controlar la cantidad de matices que usamos en un proyecto. Las armonías se basan en la elección de matices en función de su posición en el círculo cromático: si elegimos rojo y naranja (cercanos) o elegimos azul y naranja, que están uno muy lejos del otro; nos ayudan a controlar la reacción emocional del espectador. Esta información es vital para el éxito o fracaso de un proyecto.

El éxito de una armonía de color depende del porcentaje con el que usemos cada matiz (desde luego debemos considerar también la SATURACIÓN y el VALOR que tendrán).

Por último debes saber que la técnica (digital, análoga), el propósito (emocional, racional) y uso (publicidad, cine, cómic, etc.) que tengas en mente, también influye en el impacto al público.

Si quieres entender el color, observa a tu alrededor; observa el

color de la fuente de luz, define el matiz del objeto, determina la saturación que tiene, concluye la cantidad de luz hay y si ésta es natural o artificial.

Para dominar el color entonces deberás aplicarlo; úsalo en tus obras, experimenta con él, compara tus piezas con las que más te gusten y analízalas detenidamente.

Si vemos nuestro entorno sin observarlo para estudiarlo, nunca lo entenderemos.

Aprende todo sobre la luz, el color y cómo aplicarlo a tus diseños.