El diseño de personajes es una disciplina que se encarga de escribir la forma como se comportan y en dibujar la manera como lucen; es decir, es una mezcla de escribir y dibujar.
El diseño de un personaje deberá siempre estar ligado a una audiencia específica para con ello conectar emocionalmente todo el tiempo.
El proceso es:
Escribir la idea.
Establecer un perfil psicológico y visual
Comenzar con el diseño visual del mismo.
Para un mejor diseño es recomendable tomar en cuenta el medio y el formato de transmisión y producción respectivamente.
A continuación encontrarás la guía visual de The Simpson que contiene todos los pasos involucrados para dibujar a estos célebres personajes.
Los 12 principios básicos de la animación de Disney fueron desarrollados durante los años 30 por los animadores de Disney Ollie Johnston y Frank Thomas con el objetivo de crear personajes más realistas tanto física como emocionalmente.
Muchos profesionales se refieren a estas 12 claves como “la biblia de la animación” aunque en estricto sentido, este término aplica para este documento de producción que abarca mucho más que solo los 12 principios.
Es la técnica que da la sensación de flexibilidad al objeto, desde una pelota que bota hasta el estiramiento de una figura o personaje para producir un efecto cómico o divertido.
2. Anticipación
Con esta técnica el animador pretende anticipar una acción que va a ocurrir, como por ejemplo una mirada de un personaje fuera de la escena, o un salto anticipado doblando las rodillas. A través de esta técnica se pretende mantener expectante a la audiencia ante un nuevo suceso.
3. Puesta en escena
Se basa en la presentación de cualquier idea de una forma clara, con el objetivo de que el espectador no se distraiga y se centre en lo verdaderamente importante de la escena. El uso de las luces y sombras, las expresiones y posición de los personajes que intervienen son algunas de los recursos empleados para ello.
4. Animación directa y pose a pose
La animación directa se basa en dibujar directamente una escena cuadro por cuadro de principio a fin creando una escena más fluida y realista.
Por su parte la técnica pose a pose se basa en dibujar las poses clave de los personajes y luego completarlas con las poses secundarias, se ahorra trabajo pero hace más difícil la creación de poses convincentes. Normalmente se suelen combinar estas dos técnicas.
5. Acción complementaria y acción superpuesta
Ambas técnicas hacen que el movimiento sea más realista. La acción complementaria se basa en que elementos ajenos al cuerpo del personaje deben seguir en movimiento independiente aunque el personaje deje de moverse. Por su parte la acción superpuesta hace referencia a los diferentes elementos del cuerpo del personaje que se deben mover de diferente manera, no es lo mismo el movimiento de un brazo que el del pelo o de la ropa, por ejemplo.
6. Acelerar y desacelerar
Se aplica tanto a personajes como a objetos para crear naturalidad. Se lleva a cabo creando más movimiento al principio de la acción y al final. De este modo se da protagonismo a la pose clave.
7. Arcos
Este principio se basa en que los movimientos naturales siguen una trayectoria circular. Por lo que cualquier movimiento tendrá que tener cierta curvatura para dar la sensación de realismo. Como excepción de este principio están los movimientos fuertes, ya que normalmente estos suceden en líneas rectas.
8. Acción secundaria
Consiste en añadir acciones secundarias a la acción principal. Dando así más énfasis a la acción principal que queda más enriquecida.
9. Timing
Tiene que ver con la velocidad de la acción en escena que se ajusta con el número de cuadros que se añadan. Este principio es útil para crear humor y emociones en un personaje.
10. Exageración
Es un recurso muy usado en las películas de animación pero que debemos mantener controlado para no arruinar la veracidad de la escena. Se debe mantener la armonía entre los elementos y solo usar este principio con el objetivo concreto que nos hayamos fijado.
11. Dibujo sólido
Creación del espacio tridimensional de los dibujos para que se vean con volumen (3D). Para ello hay que tener en cuenta el volumen y el peso del personaje para no caer en la simetría.
12. Atractivo
Al crear un personaje es importante que el público conecte con él sin importar si se trata de un villano o un héroe; lo importante es que resulte cautivador para el espectador. En ese sentido los rasgos del personaje serán fundamentales. Ahora bien, el diseño del personaje no le corresponde al animador pero, dado que será quien le de vida, debe considerar siempre este principio.
Recientemente salió al mercado un videojuego que asombró a todos. Un videojuego que planteaba una propuesta totalmente distinta a lo habitual en los videojuegos: animación tradicional. Pero antes de adentrarnos en el juego en sí, hace falta entender bien lo que es la animación tradicional y por qué es tan importante.
“The Art of Cuphead Book - Sketches for some Characters”
La animación tradicional, es aquella en la que cada fotograma se dibuja individualmente, generando así la representación del movimiento. Los personajes y escenarios poseen solo 2 dimensiones, y la sensación de profundidad se logra a partir del manejo de la perspectiva, el color, etc. También se usa el término “dibujo animado” para denominar a las películas o series de televisión realizadas con esta técnica (o que simulan estar dibujadas a mano), aunque también se siguen proyectando en los cines.
“The Making of Cuphead - Youtube Video”
Así pues, se comenzó con la realización de Cuphead, el primer videojuego de los hermanos Chad y Jared Moldenhauer y con los trabajos de animación adicionales por parte de Jake Clark.
Su desarrollo comenzó en 2010 y trabajaron en el juego desde sus respectivas casas en Toronto y Saskatchewan, en Canadá, y también tuvieron que hipotecar dichos hogares para poder terminarlo.
“Cuphead - Teaser Trailer”
Estilo Retro
El videojuego se caracteriza por su estilo gráfico, inspirado en los dibujos animados de los años 30s, basándose en las caricaturas de Fleischer Studios y Walt Disney Animation, buscando emular sus cualidades subversivas y surrealistas. Las animaciones en el juego se crearon con las mismas técnicas de animación de la época, utilizando el clásico Rotoscopio. Fue lanzado al mercado el 29 de septiembre de 2017.
“Rotoscopio - Wikipedia”
Cuphead es un videojuego de plataformas de scroll lateral en 2D de tipo "shoot 'em up" ya que se pueden recolectar poderes y modificarlos. Los niveles están divididos en: Run 'n Gun y Boss Battle y estos se pueden jugar de manera individual o de 2 jugadores. Este juego incluyó una habilidad llamada 'parry', la cual hace que el personaje rebote sobre enemigos y en este caso sobre los pintados de rosado. También algunos trucos desbloquean filtros que convierten al juego en una caricatura en blanco y negro.
“Cuphead Don't´Deal with the Devil - Video Game"
Según la historia ficticia del juego, Cuphead y Mugman eran dos hermanos que vivían con su abuelo, The Elder Kettle. Un día ellos entraron al casino del Diablo. Como consiguieron ganar muchas partidas, el Diablo les dice que al ganar una última ronda se convertirán en dueños del casino o de lo contrario se quedará con sus almas. Cuphead, cegado por la ambición, aceptó el reto y perdió. Los hermanos le suplicaron al Diablo no llevarse sus almas y éste les propuso un trato: si le devuelven los contratos de sus deudores esparcidos por la isla, las conservarán.
Como curiosidad, el diseño del personaje Cuphead se tomó de una película animada japonesa de 1936 llamada “Evil Mickey Attacks Japan”.
“Evil Mickey Attacks Japan - Animated Short (Tank Guy)”
En esta película, un hombre gordo con la cabeza en forma de taza se transforma en un tanque de guerra. De ahí las transformaciones divertidas de las figuras de los personajes.
Actualmente está en producción la serie original de Netflix “The Cuphead Show”, por lo que también se vió frenada la producción del DLC de el videojuego principal en el que se supone agregarían una expansión grande al juego, con nuevos personajes y niveles para jugar.
“Cuphead Don't´Deal with the Devil - DLC The Delicius Last Course”
Por todo lo anterior, Cuphead se volvió rápidamente en un hito de la industria de los videojuegos, a pesar de ser tan corto su gameplay.
El trabajo que requirió detrás fue absolutamente complejo y casi dejó en quiebra a sus creadores. Dicho sea de paso, solo participaron un puñado de animadores en el proceso, entre los que estaban los mismos creadores.
“The Art of Cuphead - Book (Pages 12, 237)”
Considera que cada segundo de tu gameplay consta de 32 cuadros que los ilustradores tuvieron que dibujar para hacer que cada personaje se mueva con un patrón de un segundo. Además, esos 32 cuadros posteriormente debieron ser coloreados a mano. Eso sin contar los animaciones extra de ataques y emociones de cada uno.
“Cuphead - Concept Art Framing”
Este tipo de animación puede parecer sencilla o quizá fácil de reproducir pero al contrario de la creencia popular, es un método sumamente complicado y puede derivar en diversos problemas que van desde lo presupuestal hasta lo audiovisual en el proceso de producción. Un error puede cambiarlo todo en el proyecto.
Por último, este juego cuenta con una banda sonora propia del jazz, blues y hasta salsa de la época. Posee referencias a series de Disney de la década de los 30 y un sin fin de referencias a otros videojuegos de plataforma así como un gameplay distintivo con una dificultad intimidante pero a su vez rejugable.
“The Cuphead Soundtrack - Floral Fury Track”
Por lo tanto, Cuphead es un asombroso proyecto que cuenta con un estilo de animación único que además quedará presente para la posteridad al haber sido tan popular y si se quiere, hasta fresco en cuanto a diseño nostálgico se refiere. ¿Tenías idea de todo lo que estaba detrás de uno de los videojuegos más ambiciosos de nuestro tiempo?
